Kevin Calvo

Kike Calvo es un fotógrafo aragonés (nacido en Zaragoza en 1972, que reside en Nueva York) cuyo estilo refleja la naturaleza, combinando el compromiso con la realidad, propio de la fotografía periodística, con una faceta artística sumamente subjetiva llena de sensibilidad.

 Estudió Economía en la Universidad de Zaragoza.

Comenzó con la fotografía en un viaje a Nicaragua en el que llevó una cámara prestada por su tío. Allí desarrolló su ojo para contar historias. Su cámara fue su único maestro para captar la esencia del país.
Se formó en fotografía en escuelas como la Unidad de Fotografía de las Naciones Unidas, y experimentó también un marcado interés por el periodismo (obtuvo varios premios en periodismo en laUniversidad de Idaho), forjando y desarrollando ambas pasiones simultáneamente, que serían luego las marcas de su estilo tan personal.
Su técnica es la del conservacionismo, retratando en ambientes naturales y captando instantáneas de sus habitantes. Esto y su compromiso social y político con la causa, le han valido el reconocimiento de organismos nacionales e internacionales orientados al desarrollo y la conservación del medio ambiente, como las Naciones Unidas.
Ha exhibido su trabajo innumerables veces, en la Oficina Central de las Naciones Unidas, en el Centro Rey Juan Carlos en Nueva York, en el Instituto Cervantes de Nueva York, Chicago y Manila (Filipinas) y en el Museo Pablo Serrano (España).

Toby Keller

Toby Keller es un fotógrafo que radica en la ciudad de Santa Bárbara, California. Es especialista en fotografía de paisaje nocturno.

Su técnica se basa en la fotografía con luces LED, lunar y artificial y con bajas velocidades. Sus fotografías combinan la iluminación ideal desde su perspectiva con el movimiento. Kelley no solo es fotógrafo, también trabaja diseñando páginas web y proyectos digitales.

Daniel Aguilar Rodríguez

Daniel Aguilar Rodríguez (Ciudad de México - 1971) es un fotoperiodista mexicano, de los más destacados, al hacerse merecedor de premios internacionales como el Premio Nacional de Periodismo de su país, el World Press Photo y el Premio Internacional de Periodismo Rey de España, entre otros.

Inició sus primeros trabajos en la fotografía retratando algunos aspectos de la explosión en San Juan Ixhuatepec, Estado de México; y entre edificios devastados en el terremoto de 1985 en la Ciudad de México. Asegura que sus primeros contactos con una cámara fotográfica fueron cuando estudiaba la educación primaria y realizaba tomas con una cámara Kodak formato 110 milímetros. En 1989 se inicia como reportero gráfico en El Heraldo de México. En 1997 se incorpora como fotoperiodista en la agencia Reuters, donde colabora hasta 2010. Asimismo, se desempeñó como reportero gráfico en los periódicos El Universal, Excelsior, La Jornada y en las revistas Época y Emeequis.

Henri Cartier Bresson

Henri Cartier Bresson 22 de agosto de 1908 fue un célebre fotógrafo francés considerado por muchos el padre del fotorreportaje. Predicó siempre con la idea de atrapar el instante decisivo, versión traducida de sus "imágenes a hurtadillas". Se trataba, pues, de poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo momento en el que se desarrolla el clímax de una acción.

A lo largo de su carrera, tuvo la oportunidad de retratar a personajes como Pablo Picasso, Henri Matisse, Marie Curie, Édith Piaf, Fidel Castro y Ernesto "Che" Guevara. También cubrió importantes eventos, como la muerte de Gandhi, laGuerra Civil Española, donde filmó el documental sobre el bando republicano "Victorie de la vie", la SGM, en la que estuvo en la Unidad de Cine y Fotografía del ejército galo o la entrada triunfal de Mao Zedong a Pekín. Cartier Bresson fue el primer periodista occidental que pudo visitar la Unión Soviética tras la muerte deStalin. 

Su obra fue expuesta, en el museo del Louvre, en París, en 1955.

Fue cofundador de la Agencia Magnum.

Junto a su esposa, la también fotógrafa Martine Frank, creó en el año 2000 una fundación encargada de reunir sus mejores obras, situada en el barrio parisino de Montparnasse.

En 2003, Heinz Bütler dirigió la película suiza Henri Cartier Bresson Biographie eines Blicks, documental biográfico interpretado por el propio Cartier-Bresson además de Isabelle Huppert, entre otros.

Para algunos, Cartier Bresson es una figura mítica en la fotografía del siglo XX. Uno de sus mejores biógrafos (Pierre Assouline) lo apelaría como «el ojo del siglo».

En el año 1982 recibió el Premio internacional de la fundación Hasselblad.

Norman Parkinson

El fotógrafo inglés Norman Parkinson (1913-1990), que revolucionó los reportajes de moda al sacarlos de los estudios y llevarlos al dinamismo de las calles, decía que el éxito de su trabajo estaba basado en su admiración por las mujeres. No esperen la típica cita sobre la belleza, Parkinson no era de esos. "Son más valientes, trabajadoras, honestas y directas que los hombres", afirmaba.

Las modelos a las que retrató para las revistas más chic (Harper's Bazaar, Vogue) asentían: Parkinson las escuchaba con respeto, las trataba como a "seres superiores". Una de ellas, Iman, declaró tras la muerte del padrino del glamour, como le llamaban: "La fotografía es un proceso de colaboración, como el baile, y Norman Parkinson era Fred Astaire".

En las fotos de antes las mujeres tienen las rodillas atornilladas La grandeza de Parkinson fue dar vida a las hasta entonces envaradas fotos de moda ("las mujeres tienen las rodillas atornilladas", dijo en una ocasión criticando al clásico Cecil Beaton. El acercamiento de Parkinson a sus modelos era siempre fresco e inesperado, jugaba con los errores y le gustaba improvisar. Algunas de sus fotos tienen la calidad del periodismo y la metáfora. La pareja que corre feliz hacia la cámara con el skyline de Nueva York resume la felicidad y el optimismo de los años cincuenta. También hizo retratos a actrices y actores, entre ellos Audrey Hepburn, Montgomery Clift, Ava Gardner, Vivien Leigh, Rachel Welch y Jean Seberg y no se negó a trabajar para el pop: en 1975 retrató a la modelo Jerry Hall como una sirena para la portada del disco Siren, de Roxy Music.

Tipos de Plano

• Plano general: Se usa para visualizar completamente a nuestro modelo y abarca todo los elementos de una escena, es decir, que aparece todo el cuerpo de pies a cabeza, sin ningún tipo de recorte.

• Plano americano: También conocido como plano tres cuartos, tiene su origen en las películas de western americanas, que se caracterizaban por sus encuadres por debajo de la cadera hasta las rodillas. Es muy útil cuando se quiere retratar a varias personas.

• Plano medio: En este se muestra al modelo desde la cabeza hasta la cintura, y también se puede emplear para fotografiar a varias personas interactuando. Se emplea con regularidad en la fotografía de moda ya que permite destacar la belleza de la persona.

• Plano medio corto: Se le puede conseguir con otros nombres como plano pecho o plano busto, aunque en lo personal me parece más profesional llamarlo plano medio corto, y consiste sencillamente en mostrar a la persona desde la cabeza hasta la mitad del pecho. La idea de este tipo de plano es enfocar la atención exclusivamente en la persona aislándola de su entorno.

• Primer plano: Se emplea generalmente para destacar la mirada o el gesto de una persona, y el encuadre va desde la cabeza hasta los hombros. Es el más indicado para el retrato del rostro, ya que, destaca los detalles. Suelen usarse encuadres verticales, aunque esto no es una regla estricta.

• Primerísimo primer plano: Este tipo de plano es mucho más agresivo e íntimo que los anteriores. Se logra encuadrando desde la cabeza (cortando por el medio o por encima de la frente) hasta la punta del mentón. Hay que cuidar mucho los detalles en este tipo de plano, controlar el enfoque y la profundidad de campo es primordial, de lo contrario se puede estropear la captura.

Composición Fotográfica

1. Identifica el centro de interés

Cada fotografía tiene (o debería tener) un centro de interés. ¿De qué es la foto? ¿Es una fotografía de tu novia? ¿Es una fotografía de las pirámides de Egipto? Debería ser obvio para cualquiera que mire una fotografía saber de qué es la foto. Es lo que se denomina el centro de interés.

Aunque se denomine centro, el centro de interés no tiene que ser necesariamente el objeto que esté en en el centro de la foto ni ser el objeto que ocupa la mayor parte de la imagen.

Es la primera regla de una buena composición, ya que es la más importante. Simplemente decide antes de disparar el motivo sobre el que quieres tomar la fotografía. Todo lo que hay que hacer a partir de ahí es enfocar el elemento sobre el que queremos centrar el interés.

2. Rellena el encuadre (Fill the frame)

Esta regla puede parecer bastante obvia, pero lo cierto es que muchas veces fallamos al aplicarla. Si queremos contar algo en una foto, ocupemos la mayor parte con ese “algo”, asegurándonos que se convierte de este modo en el centro de atención. Además, de este modo eliminamos posibles elementos que resten atención.

Es un fallo demasiado común el querer sacar demasiadas cosas en una única foto. Al final, lo que conseguimos es que no quede demasiado claro qué es lo que queríamos enseñar. Ante la duda de si algo debe salir o no en la foto, quitalo.

3. Apóyate en las líneas

Las líneas son un elemento de importancia vital en las artes visuales. Las líneas nos aportan formas y contornos. Con las líneas dirigimos la mirada del espectador de una parte de la foto a otra.

Cuando vayas avanzando en el mundo de la fotografía podrás comprobar cómo las líneas son uno de los elementos más eficaces a la hora de dirigir la mirada de quien contempla nuestras fotos hacia donde queremos que mire. Las líneas horizontales, verticales y diagonales son elementos compositivos que aportan significado a las imágenes.

Un tipo especial de líneas son las líneas convergentes. Son las líneas paralelas que, por el efecto de la distancia, acaban convergiendo en un mismo punto.

4. Trabaja el flujo

Después de las líneas, podemos tratar el flujo. El flujo es el modo en el que la mirada del espectador se desplaza de una parte de la fotografía a otra. Una manera de definir el flujo de una fotografía es mediante el uso de líneas. Pueden ser horizontales, verticales, diagonales, convergentes o divergentes. A veces el flujo creado por las líneas es nítido y claro, como los laterales de un edificio que convergen hacia el cielo), o pueden ser menos obvias. Sin embargo, la mirada del espectador debería ser capaz de recorrer los elementos de una parte a otra de la imagen.

El flujo crea la ilusión de movimiento (o ausencia de movimiento si se desea). Las líneas diagonales se consideran generalmente más “dinámicas”, mientras que las líneas horizontales y verticales se consideran más “estáticas”. Un equilibrio cuidadoso de elementos estáticos y dinámicos dará un sentido global de movimiento a tus fotografías.

5. Juega con la dirección

La dirección es similar al flujo. También crea la ilusión de movimiento. Si hay algo en la fotografía que parezca estar en movimiento, tiene una dirección en la que se mueve.

Un ejemplo de esto son las luces de peatones de un semáforo. Cuando está en rojo para los peatones, la figura representa un peatón inmóvil, con las piernas juntas y los brazos bajados. Visualmente, no tiene 

ninguna apariencia de estar en movimiento. Sin embargo, la figura del peatón en verde que permite cruzar tiene una dirección en la cual se está moviendo. La dirección en fotografía se puede cerar de muchas maneras. Una figura a punto de cruzar una calle puede transmitir movimiento aunque la veamos estática y no se muevan sus brazos y sus pies, porque podemos imaginarla un segundo después cruzando la calle. Del mismo modo, un coche que aparece cortado en el lado izquierdo de una fotografía en la que solo se ve su parte delantera, podemos imaginarlo un segundo después al lado derecho de la foto.

6. Los elementos repetidos

La repetición de algún elemento (unos globos, unos pájaros), dan un sentido de relación de distintas partes de una imagen.

Por ejemplo, una bandada de pájaros pueden estar moviendose en grupo por el aire, definiendo formas interesantes en el cielo y añadiendo información sobre la dirección de la fotografía.

En algunas ocasiones puede aportar factores psicológicos, como el sentido de la unión y el compañerismo.

7. Los colores siempre dicen algo

Existen dos tipos de colores, los cálidos y los fríos.

Los rojos, naranjas y amarillos forman parte de la gama de colores cálidos.

Los azules, verdes y violetas forman parte de la banda de colores fríos.

Existen muchos elementos psicológicos ligados a los colores. Por poner un ejemplo, los azules se consideran colores tranquilos, mientras que lo rojos son más temperamentales. Existe mucha literatura al respecto de la psicología del color, por lo simplemente resumiremos que el color tiene una 

importancia determinante en la composición.

En materia de colores hay que prestar atención también al contraste. El contraste se define como la diferencia de luminosidad entre las partes más claras y más oscuras de nuesta foto.

8. El interés de los grupos de tres

Parece existir una percepción especial de losnúmeros impares en fotografía, y en especial de los grupos de tres elementos.

Un único elemento puede transmitir soledad o aislamiento, con dos elementos una foto puede 

quedar demasiado bien equilibrada y estática, y cuatro elementos pueden resultar demasiados para distribuir.

Por algún motivo que no se explicar, a las personas nos gusta el número 3. En fotografía suele funcionar la agrupación de tres elementos como centro de interés.

9. La regla de los tercios

Ya escribimos un artículo que explicaba laregla de los tercios con más detalle. Si nos fijamos en obras de arte en cualquier museo, podremos comprobar que si dividimos un cuadro en cuadrículas de igual 

tamaño de 3×3, las cuatro intersecciones de las cuadrículas dentro del cuadro marcan los puntos de interés.

Trazando esta cuadrícula imaginaria sobre la mayoría de las obras nos daremos cuenta de que elementos fundamentales del cuadro recaen sobre esas intersecciones: ventanas y puertas, ojos, líneas de horizonte, picos de montañas, … Está comprobado que llevando nuestro punto de interés a uno de esos cuatro puntos conseguimos una imagen mucho más interesante.

En este sentido, reseñar que existen cámaras que permiten visualizar en su LCD una rejilla (grid en inglés) para trabajar con los tercios, por lo que os animo a que reviseis el manual de vuestra cámara si considerais que os puede ayudar a la hora de mejorar la composición.

10. El espacio negativo

Se considera espacio negativo los grandes espacios vacíos, normalmente en blanco o negro, dentro de una fotografía, normalmente a un lado.

El alejamiento del elemento central de la imagen, rellenando el resto de la foto de un espacio vacío nos permite transmitir una información adicional de soledad, aislamiento o calma a la imagen.

Aunque no es un recurso que vayamos a utilizar habitualmente, no está de más conocerlo. Está enfrentada a la regla de composición consistente en rellenar el encuadre comentada más arriba en este mismo artículo.

11. Trabajando las tres dimensiones: frente y fondo

El contenido del frente y del fondo de una foto es importante. Tanto en el fondo como en el frente tienen aplicación otros elementos compositivos como los colores o las líneas.

Lo importante en el frente y en el fondo es que no haya demasiados detalles que puedan distraer la vista del espectador del centro de interés.

La mejor herramienta con la que contamos para marcar la diferencia entre el frente y el fondo de nuestras fotos es la profundidad de campo. Gracias a la apertura del diafragma que utilicemos a la hora de hacer fotografías, conseguiremos mayor o menor nitidez en el fondo.

12. El enmarcado natural

Existen elementos que pueden ayudar a poner un marco al centro de interés de la foto.

Algunos de estos elementos son muy claros, tapando completamente parte de la foto, como puertas, ventanas o puentes.

Otros actúan de una forma menos clara, simplemente orientando nuestra vista. Es el caso de las señales de tráfico o las ramas de los árboles, …

Cualquier elemento que “encierre” el centro de interés nos permitirá enmarcar la foto, dirigiendo la atención hacia el elemento deseado.

13. Las curvas en S

Las curvas en “S” son un elemento muy recurrente en fotografía. Está relacionado con la sensualidad. También transmiten moviento y ayudan a conducir la mirada.

En la vida cotidiana encontramos muchos recursos que nos permiten aplicar curvas en “S” en nuestras fotografías. Una carretera, un camino, el curso de un río, … Son elementos visuales muy potentes que dan interés a la fotografía.

Resumen